Gaceta Crítica

Richard Clarke presenta algunas de las principales ideas marxistas sobre la naturaleza y el valor del arte, y sus vínculos con las realidades políticas y económicas.

La mayoría de los marxistas dirían que el valor de una obra de arte como una pintura, o el placer que obtienen de ella -en su original o como reproducción- es ante todo una cuestión individual, no algo que los «expertos» (marxistas o en caso contrario) puede o debe pronunciarse. Al mismo tiempo, los expertos pueden potenciar ese placer, por ejemplo, explicando la técnica y metodología de la composición de un cuadro. Una vez más, esto no es más competencia exclusiva de un marxista que (por ejemplo) un comentario sobre las habilidades técnicas incorporadas en el diseño o la fabricación de una lavadora.

Sin embargo, un enfoque marxista puede ayudar a profundizar la apreciación o comprensión de una obra de arte al revelar el contexto histórico de su producción y la relación de una obra de arte o de un artista con la sociedad. El arte, como cualquier otra actividad humana, siempre se crea dentro de un contexto social e histórico específico, y esto repercutirá en la propia obra de arte. Por eso los marxistas sostienen que sólo se puede empezar a apreciar y comprender plenamente una obra de arte examinándola en relación con las condiciones de su creación.

En este caso, un punto de partida fructífero para el debate es una visión materialista: examinar la producción y el consumo de arte, la posición de los artistas en relación con las diferentes clases y los conflictos encarnados en una obra de arte y en la historia de la que forma parte. . Por ejemplo, el ensayo fundamental de Ernst Fischer  La necesidad del arte  (1959) es una exposición marxista de la función social central del arte, desde sus orígenes en el ritual mágico, pasando por la religión organizada, hasta sus variados y contradictorios roles dentro del capitalismo y su potencial en la construcción del socialismo.

El crítico de arte marxista John Berger en su Ways of Seeing (una serie de televisión de cuatro capítulos de 1972, posteriormente adaptada en un libro, Ways of Seeing ) fue aclamado por muchas personas por ayudar a profundizar su comprensión del arte. Berger argumentó que era imposible ver una reproducción de «viejos maestros» (generalmente pinturas de artistas europeos anteriores a 1800) en la forma en que se veían en el momento de su producción; que el desnudo femenino era una abstracción y una distorsión de la realidad, que reflejaba los ideales masculinos contemporáneos; que una pintura al óleo era a menudo un medio para reflejar el estatus del mecenas de un artista; y que la publicidad contemporánea utiliza las habilidades de los artistas y las últimas técnicas artísticas simplemente para vender cosas para el consumo en un mercado capitalista. 

El trabajo de Berger sigue siendo controvertido y ha sido revisado muchas veces, particularmente desde su muerte en enero de 2017. Muchos han argumentado que simplifica demasiado e incorpora las percepciones más profundas de otros como Walter Benjamin, que trabajan en la interfaz entre el marxismo y la teoría cultural. . Algunos han preguntado (por ejemplo) por qué no hay ninguna referencia a las teóricas feministas en el capítulo de Berger sobre la «mirada masculina». Sin embargo, el trabajo de Berger debe verse en contexto como una respuesta polémica al enfoque de los «grandes artistas» que caracteriza gran parte de la historia del arte establecida y la «apreciación del arte» tipificada por la serie de televisión Civilization de Kenneth Clark (1969).

Lo que está claro es que la expresión cultural (arte, minúscula) es característica de todas las sociedades humanas y que si bien el arte y la sociedad están íntimamente conectados, el primero no es simplemente un reflejo pasivo de la segunda. La relación es dialéctica. Como declaró Marx en Una contribución a la crítica de la economía política: “El objeto de arte, como cualquier otro producto, crea un público artístico que disfruta de la belleza. La producción produce así no sólo un objeto para el individuo, sino también un individuo para el objeto”. 

A menudo se hace una distinción entre las artes escénicas (incluidas la música, el teatro y la danza) y las artes visuales (como el dibujo, la pintura, la fotografía, el cine y el vídeo). Las artes escénicas son por naturaleza efímeras y, como declaró Robert Wyatt, el percusionista comunista del grupo de rock psicodélico de los años 60 Soft Machine, «cada vez son diferentes». La actuación es el producto inicial, aunque puede ser grabada, reproducida y posteriormente vendida.

El «arte» (como la pintura o el lienzo) se presenta a veces como el punto más alto en el desarrollo de la cultura «civilizada». Jean Gimpel, historiador, comerciante de diamantes y experto en falsificación de arte, atacó el concepto de «gran arte» en su libro El culto al arte (subtitulado Contra el arte y los artistas). Sostuvo que el concepto de arte -especialmente las pinturas al óleo, sobre lienzos enmarcados transportables- es específicamente un producto del capitalismo, personificado en el artista florentino Giotto, «el primer pintor burgués» del Renacimiento y sus sucesores.

Bajo el patrocinio de los Medici y otras familias patricias italianas de nuevos ricos, la elaboración «artesanal» de los frescos en las paredes de las iglesias o en los retablos decorados fue sustituida por los lienzos móviles (y comercializables). En resumen, fue mercantilizado. «La gente ya no quería una ‘Madonna’ o un ‘Descendimiento de la Cruz’ sino un Leonardo da Vinci, un Miguel Ángel o un Bellini.» Nació el culto al arte y al artista.

Sin embargo, no fue hasta el siglo XVIII que se fijó la distinción entre «artesano» y «artista». Incluso hoy en día se puede escuchar a la gente preguntando –de todo, desde las pinturas rupestres de Lascaux hasta algún topiario suburbano–: ‘¿pero es arte?’ Por supuesto, el gran arte también produjo su supuesta antítesis: el artista en su buhardilla (las mujeres artistas estaban hasta cierto punto excluidas de la ecuación), sufriendo, a veces muriendo de hambre por la causa del arte a menos que tengan la suerte de ser «descubiertos», a menudo sólo después de la muerte. Con el capitalismo, por primera vez el artista se convierte en un artista «libre», una personalidad «libre», libre hasta el punto del absurdo, de la gélida soledad. El arte se convirtió en una ocupación mitad romántica, mitad comercial.

‘In The Gallery’ de Dire Straits es una canción sobre la conversión del valor de uso (el valor que el artista o su audiencia ven en una obra de arte o el placer que obtienen de ella) en valor de cambio. Harry es un ex minero y escultor, «ignorado por todos los chicos de moda de Londres» hasta que muere, cuando, de repente, es «descubierto» (demasiado tarde para Harry, por supuesto): los buitres descienden para obtener ganancias. de su trabajo.

en la galería

‘Starry Starry Night’ de Don Mclean transmite un mensaje similar. La principal diferencia (más allá del ritmo de las canciones) es que Harry está políticamente comprometido, es muy de este mundo, mientras que el atormentado Vincent (Van Gogh) estaba «fuera de él», a diferencia de su antiguo amigo postimpresionista, Paul Gauguin, quien preguntó le dijo a su agente qué pagaría más «el estúpido público comprador» y luego ajustó su producción en consecuencia.

Vincent Van Gogh (Noche estrellada y estrellada)

Independientemente de su reconocimiento o fama, el arte y los artistas se presentan con frecuencia como algo aparte, a veces por encima, de la sociedad. Para los marxistas está claro que las artes y los artistas son una parte integral de la sociedad. Sin embargo, en términos de estética y política, los marxistas sugerirían cautela: la historia del arte dentro del socialismo es mixta. Es bien conocido el temprano florecimiento del arte de vanguardia soviético posrevolucionario. El constructivismo se esforzó por poner el arte al servicio de la gente. El posterior ascenso del realismo socialista como arte «oficial» fue un intento de hacer el arte más accesible (y existió junto con una floreciente variedad de formas de arte no oficiales).

Gustav Klutsis – ¡Trabajadores, todos deben votar en las elecciones de los soviets! Derecha: cartel de propaganda rusa

En Estados Unidos, el arte moderno fue promovido como un arma en una guerra fría cultural con la Unión Soviética y sus formas de arte «realistas socialistas». En las décadas de 1950 y 1960, a través del Congreso para la Libertad Cultural, la Fundación Farfield y otras portadas, la CIA promovió en secreto el trabajo de artistas expresionistas abstractos estadounidenses -entre ellos Jackson Pollock, Willem de Kooning y Mark Rothko- con el fin de demostrar la supuesta la libertad intelectual y la creatividad cultural de Estados Unidos contra la conformidad ideológica del arte soviético.

Jackson Pollock, Ritmo de Otoño (Número 30)

Incluso cuando el arte es de oposición, el capitalismo tiene una extraña habilidad para apropiarse de él. La exposición de arte revolucionario ruso de 2017 de la Real Academia estuvo acompañada de una curaduría cruel e ignorante, presumiblemente para desengañar a cualquiera que de otro modo podría haberse inspirado en las obras expuestas. El graffiti de Banksy, una forma de arte decididamente no comercial «para el pueblo» (¿tal vez un equivalente moderno de las pinturas rupestres de Lascaux?) está ahora «en la galería», decididamente una pieza de colección con un precio acorde. Otro artista de graffiti (muerto), la representación de una calavera de Jean-Michel Basquiat de 1981, fue subastada en mayo de este año por más de 100 millones de dólares. El propio comentario de Banksy sobre esto se transmite en una pared del Barbican, donde se exhibirá una exposición póstuma de la obra de Basquiat hasta enero de 2018 (la entrada cuesta £16). Los funcionarios de la ciudad de Londres están considerando actualmente si (y cómo) se podría preservar este nuevo graffiti.

Dentro del capitalismo, a medida que su crisis se profundiza, el «gran arte» (siempre que sea portátil, vendible, en una palabra, enajenable) es –junto con la tierra y otras propiedades– una de las mejores inversiones que existen. Un ejemplo reciente es ‘Monarch of the Glen’ de Sir Edwin Landseer, ‘guardado’ para la nación en marzo de 2017 a un costo de £4 millones, a través de un ejercicio de recaudación de fondos para pagar a su propietario, Diageo. Este conglomerado multinacional de bebidas (beneficios del año pasado de 3.000 millones de libras sobre unas ventas netas de 10.800 millones de libras, un 15% más que el año anterior; el salario de su director ejecutivo, Iván Menezes, 4,4 millones de libras) accedió amablemente a aceptar sólo la mitad del «valor estimado» de las pinturas. £8 millones. Más de la mitad de este dinero provino de la Lotería Nacional, que a veces se describe como un «impuesto oculto a los pobres». 

Edwin Landseer, El monarca de Glen

¿Nafea Faa Ipoipo de Gaugin? (‘¿Cuándo te casarás’?), pintado en 1882 y, como otros suyos, que presenta una visión romántica de Tahití, se vendió por 300 millones de dólares en 2015, superado por Interchange de De Kooning al año siguiente. Una pulsera de oro de 24 quilates, diseñada por Ai Weiwei, el «disidente» chino y «campeón de la democracia», inspirada en el terremoto de Sichuan de 2008 (el terremoto más mortífero de la historia, 90.000 muertos, entre 5 y 11 millones de personas sin hogar) se vende por unas modestas 45.500 libras esterlinas. de Elisabetta Cipriani. La mayoría de los artistas y sus obras de arte, por supuesto, nunca alcanzan alturas tan vertiginosas.

El papel del artista en la sociedad sigue siendo un tema controvertido. Mientras tanto, está claro que el arte y los artistas pueden desempeñar y desempeñan un papel vital y que la libertad y la licencia artísticas son cruciales. Quizás un buen modelo sea el que siguieron en la ex Yugoslavia y otros países socialistas (como hoy en Cuba). Los artistas no fueron pagados ni empleados como tales por el Estado, aunque las artes en general recibieron y reciben un generoso apoyo estatal. Como en los países capitalistas, los artistas tenían que ganarse la vida a través de encargos, aunque era más probable que estos vinieran de asociaciones comunitarias, sindicatos, ayuntamientos y similares, que de mecenas o inversores adinerados. Muchos tendrían que complementar sus ingresos enseñando o realizando otros trabajos. Pero se reconoció su posición social y se pagaron sus cotizaciones a la seguridad social para que no sufrieran problemas de salud o de jubilación.

Tanto en la apreciación, comprensión y, de hecho, producción del arte, como en si amas o detestas sus propios diseños, una afirmación con la que seguramente todos los socialistas estarían de acuerdo es la del comunista William Morris, quien declaró: «No quiero arte para algunos; algo más que educación para unos pocos; o libertad para unos pocos…’, ( Esperanzas y temores por el arte ). Lo que es seguro es que el arte -de cualquier tipo- puede enriquecer nuestras vidas. También puede ser galvanizador, una fuerza para el progreso social. Pero también está claro que el arte sujeto a las fuerzas del mercado capitalista implica una distorsión crónica del producto y proceso artístico en el que las obras de arte se valoran por su precio y no por su calidad intrínseca. Un enfoque marxista puede profundizar nuestra comprensión del arte siempre que evitemos el dogmatismo y aceptemos que se trata de un área de debate, en la que todos podemos contribuir.

GACETA CRÍTICA, 29 de DICIEMBRE 2023